Сборник «Даниловские чтения. Античность — Средневековье — Ренессанс» составлен по материалам конференции, проведенной Институтом высших гуманитарных исследований им. Е. М. Мелетинского в РГГУ (март 2015 г.) в память И. Е. Даниловой — замечательного исследователя, историка искусства с широким кругом интересов; такие конференции проводятся ежегодно. Тематика сборника отражает весь спектр научных занятий И. Е. Даниловой: статьи по античной вазописи и скульптуре, по средневековому искусству — как западноевропейскому, так и византийскому и русскому, и по искусству Ренессанса. Некоторые статьи сборника адресованы специалистам-искусствоведам, другие, безусловно, привлекут самого широкого читателя, интересующегося историей искусства, культурой и археологией.

Глеб Напреенко и Александра Новоженова — историки искусства и критики, совместно редактировавшие на протяжении 2016 года интернет-издание художественной и общественной критики «Разногласия». Сегодня основная сфера научных интересов А. Новоженовой — проблематика советского и постсоветского искусства; Г. Напреенко — психоаналитическая теория искусства. В фокусе их книги — понятие «модернизм», судьба которого исследуется даже не от истоков, но от дальних предвестий — с первой половины XIX века. В последовательности «эпизодов модернизма» в России авторы пунктирно намечают путь искусства и картину трансформаций реальности, оставившей в искусстве свои следы.

Эта книга о том, как поэты и прозаики в ХХ веке мыслили живописными образами, а художники творили, внимательно вчитываясь в их тексты — в то время как и те и другие оставались внимательными (кино)зрителями. Иногда процесс обоюдного вглядывания проявлялся в художественном симбиозе, чаще — приводил к борьбе смежных медиа, в которых слово боролось со зримым образом и наоборот. Новое исследование Юрия Левинга еще и о том, как борьба противоположностей становится движущим механизмом прогресса в искусстве, а революция — в значении поворот, оборот и возврат — является не столько способом свержения доминирующей эстетики, сколько методом обновления старой, эволюцией художественного высказывания на всем пространстве визуальной культуры. Для рассматривания указанного феномена автор методологически выбирает наиболее травматические — революционные — узлы на разных этапах хронологического развития в истории искусства и в индивидуальных биографиях интересующих его писателей и художников.

Герои книги санкт-петербургского культуролога В. Дегтярева — немецкий иезуит Атаназиус Кирхер, английский художник Эдвард Берн-Джонс, архитектор Огастес Уэлби Пьюджин и не нуждающийся в представлении Льюис Кэрролл. Ее сквозные темы — прошлое и механизмы. Автор пытается выявить связь принятых в культуре концепций времени и представлений о границах между естественным и искусственным (природным и рукотворным, органическим и механическим и т.д.). История в этом исследовании предстает как увлекательный пазл, приоткрывающий скрытые связи культурных событий.

Неожиданные ракурсы, в которых рассматривается в этой книге современное искусство, позволяют автору по-новому осмыслить и оценить его состояние, дают новые возможности для анализа и интерпретаций. Герои книги — известные художники, живущие как в России, так и на Западе (Э. Булатов, О. Васильев, И. Кабаков, А. Косолапов, В. Комар и А. Меламид, А. Монастырский, И. Нахова, В. Немухин, П. Пепперштейн, Л. Соков и др.). Наряду со статьями и интервью в тексте используются письма и материалы из личного архива автора. Виктор Агамов-Тупицын — поэт, критик, теоретик культуры и автор многочисленных книг и статей, изданных по-русски и по-английски.

Предмет данного исследования — метаморфозы знаменитого «Черного квадрата» Казимира Малевича, который сначала превратился из станкового полотна в эмблему революции, а затем — в знак. Детальному анализу подвергнуты как собственные, меняющиеся во времени взгляды художника на политику, революцию и власть, так и приключения супрематизма, который и при жизни художника, и после его смерти в 1935 году обрастал самыми разными смыслами и приспосабливался к самым разным идеологическим целям сначала самим Малевичем и его учениками, а со временем — учеными, арт-дилерами и учреждениями культуры. Екатерина Кудрявцева — профессор истории искусства Стэтсонского университета (США).

Книга петербургского историка и критика балета Инны Скляревской — первая монография на русском языке, посвященная танцовщице Марии Тальони — одной из важнейших фигур эпохи романтизма. Беспрецедентная слава этой великой балерины и абсолютная уникальность ее искусства породили особый миф Тальони, который переплетен с ее подлинным образом. Автор анализирует этот миф и на основе широкого круга источников пытается восстановить хореографическое содержание танца Тальони.

"Эта книга — достаточно личное, но в то же время всеми силами старающееся быть объективным рассуждение на тему: чем сегодня для культуры является современная ей архитектура? Радикально отказавшись за последние сто лет от очень многого, но и приобретя многое, в первую очередь — за счёт ускоряющегося развития технологий, сегодняшняя архитектура в корне отличается от того, что принято было называть архитектурой ещё сто лет назад. Но в чём именно заключается это отличие, каковы его причины и следствия? " Исследованию именно этого вопроса и посвящена данная книга, написанная известным архитектором Сергеем Чобаном и историком архитектуры Владимиром Седовым. Авторы дают краткий, но емкий обзор истории архитектуры, детально анализируют кардинальный перелом в ее развитии, произошедший в 20-е годы XX века, и делают прогноз: что же надо приобрести и развить современной нам архитектуре, для того чтобы не растерять безусловные завоевания архитектурной эстетики XX-XXI века? Что нужно для того, чтобы научиться создавать яркие городские ансамбли, в которых не только отдельные здания-иконы, построенные на основе современнейших технических и эстетических достижений и являющиеся сегодня главным результатом архитектурной революции XX века, но и окружающие их гораздо большие по объему элементы рядовой застройки приблизятся к качеству тех исторических городов, которые мы охотнее всего посещаем как туристы, и в которых нас поражает огромное количество ошеломляющих своей красотой построек никому не известных архитекторов прошлого.

На протяжении ХХ столетия во Франции работали сотни замечательных художников из Российской империи, многие из которых выросли в еврейских семьях. Отдельные из них, как Марк Шагал и Хаим Сутин, стали всемирно знаменитыми, другие известны лишь специалистам, а ряду достойных мастеров угрожает забвение. Немало талантливых художников умерли молодыми в бедности или погибли в огне Холокоста, их наследие практически не сохранилось. Настоящая книга, основанная на большом массиве редких материалов, собранных во Франции, в США, в Израиле, в России и на Украине, призвана не только вернуть в коллективную память незаслуженно забытые имена, но, главным образом, воссоздать целостную картину русско/еврейского присутствия в художественной жизни Парижа в первой половине ХХ века, отдать дань памяти тем, кто поддерживал нуждавшихся художников, организовывал их первые выставки, давал им работу, писал о них… Герои Монпарнаса — это и они: Берта Вайль и Леопольд Зборовский, Поль Гийом и Йонас Неттер, Макс Жакоб и Вальдемар Жорж, Вильгельм Уде и Даниэль-Анри Канвейлер, Лео, Сара и Гертруда Стайны, Этта и Кларибел Кон, Сергей Щукин и Иван Морозов, Максим Винавер и Сергей Дягилев, Мария и Михаил Цетлины…

Книга представляет собой первую попытку реконструкции и осмысления отношений Марка Шагала с родным Витебском. Как воспринимались эксперименты художника по украшению города к первой годовщине Октябрьской революции? Почему на самом деле он уехал оттуда? Как получилось, что картины мастера оказались замалеванными его же учениками? Куда делось наследие Шагала из музея, который он создал? Но главный вопрос, которым задается автор: как опыт, полученный в Витебске, повлиял на формирование нового языка художника? Исследование впервые объединяет в единый нарратив пережитое Шагалом в Витебске в 1918-1920-х годах и позднесоветскую политику памяти, пытавшуюся предать забвению его имя. Это история о том, как родина способствует становлению уникального художника, а потом забывает его и строго наказывает тех, кто противится такому забвению. В. Мартинович — историк искусств, писатель, преподаватель Европейского гуманитарного университета в Вильнюсе.

Мы привыкли воспринимать классическую музыку и массовую (популярную) культуру как явления противоположные, однако современность опровергает предубеждения подобного рода. Именно процессы «вживления» классической музыки в окружающую нас массмедийную повседневность исследуются на страницах этой книги. Как идеи, транслируемые массовой культурой посредством классической музыки, соотносятся с принципами «высокого» искусства и содержанием музыкальных произведений? Какие актуальные для себя ценности находит современность в искусстве прошлых эпох? Что теряется и, наоборот, добавляется при перекодировании аудиальных смыслов в визуальные образы?

Книга посвящена замечательному художнику Константину Сомову (1869-1939). В начале ХХ века он входил в объединение «Мир искусства», провозгласившего приоритет эстетического начала, и являлся одним из самых ярких выразителей его коллективной стилистики, а после революции продолжал активно работать уже в эмиграции. Книга о нем, с одной стороны, не нарушает традиций распространенного жанра «жизнь в искусстве», с другой же, само искусство представлено здесь в качестве своеобразного психоаналитического инструмента, позволяющего реконструировать личность автора. В тексте рассмотрен не только «русский», но и «парижский» период творчества Сомова, обычно не попадающий в поле зрения исследователей.